Mujeres artistas del siglo XX – III – Creadoras artísticas

Meret Oppenheim, Isabel Quintanilla, Paula Rego, Olga Sacharoff, Cindy Sherman, Soledad Sevilla, Antonina Sofronova, Susana Solano, Dorothea Tanning, Sophia Vari, Remedios Varo, Alicia Vela, Maria Helena Vieira da Silva.

[Cultura / Mujeres Hoy

 

Meret Oppenheim
[Berlín, Alemania, 1913 – Basilea, Suiza, 1985 ]

Se traslada a París en 1932 y se encuentra con Alberto Giacometti y Hans Arp, los cuales la invitan a exponer con los surrealistas Au Salon des Surindépendants’ con los propios Arp y Giacometti, y junto a Salvador Dalí, Max Ernst, Valentine Hugo, René Magritte, Joan Miró, Man Ray, Yves Tanguy y, como invitado especial Vasily Kandinsky. Frecuenta el círculo de amigos de André Bretón, en el Café de la Place Blanche, y hasta 1937 participa en el grupo surrealista. Realiza ‘Le Déjeuner en Fourrure’, y Alfred Barr, Jr., lo adquiere para el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Sirve de modelo para Man Ray, que también la fotografía. Pretende obtener algunos beneficios y se dedica a la creación de joyas y moda. Concibe y ejecuta muebles fantásticos, zapatos, cinturones y guantes.

El 16 de enero de 1975 recibe el Premio artístico de la Ville de Bale. En 1981 recibe el gran Premio de la Villa de Berlín. En 1985 fallece en la localidad suiza de Basilea.

 

Isabel Quintanilla
[Madrid, España, 1938 – 2017]

Desde 1949 asiste a las clases de pintura y dibujo de Trinidad de la Torre, y en 1952 a las de Gutiérrez Navas y Maruxia Valero, matriculándose en las clases nocturnas de la Escuela de Artes y Oficios. En 1953, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, finalizando sus estudios en 1959, después de haber estado dibujando modelos de yeso de esculturas clásicas y copiando a viejos maestros en el Museo de Reproducciones Artísticas junto a María Moreno.

Durante sus años en San Fernando conocerá a su futuro marido, el escultor Francisco López, con quien contrae matrimonio en 1960, iniciándose desde entonces una larga y fructífera fase de influencia recíproca. Ese mismo año, obtiene la beca de ayudante de instituto para trabajar en el Beatriz Galindo. Acompañando a su marido, que acababa de conseguir el Gran Premio de Arte de la Academia de España de Roma, acude a la capital italiana y durante su estancia celebra, en 1963 la primera exposición individual en la Galería Caltanisseta de Sicilia.

Regresa a Madrid en 1965 y un año más tarde, presenta una exposición en la Galería Edurne. Siguen después otras muestras en Sevilla, Madrid y Frankfurt, donde, en 1974, comienza su internacionalización. Es galardonada con el Premio de Arte de Darmstadt en 1987, para en 1993 dirigir un curso de diseño en la Internationale Sommerakademie, de Salzburgo.

Su obra se ciñe al realismo cotidiano, cercano, cuyo principal elemento es la luz, que lo envuelve todo con su adecuada tonalidad; posee además una impecable técnica, que quizás se perciba mejor en los retratos que ha realizado de importantes personajes. Obtiene su inconfundible personalidad gracias a la evolución que va impregnando su obra de gran lirismo. Sabe buscar el contraste de las sombras y la luz y persigue constantemente el equilibrio entre la realidad exterior y las palpitaciones de la intimidad.

 

Paula Rego
[Lisboa, Portugal, 1935]

Nacida en la capital portuguesa, Paula Rego decide formarse en la Slade School of Art de Londres, permaneciendo allí desde 1952 a 1956, estableciéndose definitivamente en la ciudad londinense, donde contraerá matrimonio. En la década de los sesenta alterna diferentes estilos en su obra, mezclando collages y dibujos, mostrando esquemas parecidos a lo que sería un dripping controlado. Estos formatos pasarán a un segundo plano cuando comience a mostrar sus intereses hacia el gran formato, donde plasma historias narrativas.

Trabaja siempre dentro de un mágico realismo, tomando unas mitologías que acentúan la psicología y la sexualidad, a través de un punto de vista femenino. La plenitud de su obra la vemos a partir de los setenta, ayudada por la aparición de la ola neofigurativa en el panorama artístico. Los protagonistas de estas obras serán fruto del inconsciente, símbolos de pensamientos y experiencias interiores que crean un cierto simbolismo y misterio para desenmascarar. A lo largo de su evolución podemos observar un acercamiento al neoexpresionismo, donde incluye figuras procedentes de maestros como Velázquez o De Chirico. Rego es considerada referente y uno de los mayores exponentes del arte portugués del siglo XX, siendo vista como uno de los mejores pintores vivos en Inglaterra.

 

Olga Sacharoff
[Tiflis, Georgia, 1879 – Barcelona, España 1967]

Artista nacida en Georgia, se traslada a Munich en 1910, donde entra en contacto con el expresionismo alemán. Al año siguiente viaja a París, acusando la influencia del cubismo. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Olga Sacharoff viaja a España, y primero reside en Mallorca, y luego se establece en Barcelona.

En la ciudad condal colabora en la revista de Francis Picabia “391”, que se editó en Barcelona y que se considera portavoz del dadaísmo. A partir de esos años, Olga Sacharoff deja atrás sus modos más vanguardistas y se sumerge en la estética del ‘noucentisme’.

Contrae matrimonio con el fotógrafo Otho Lloyd. En su trabajo, las notas surrealistas de los comienzos se suman a un tono ingenuo, derivando después a un lenguaje figurativo muy esquemático y colorista, definido por los temas populares y festivos y un tipo de composición marcada por la presencia de numerosos personajes en el cuadro. A partir de la década de los cuarenta su producción se vuelve más decorativa y repetitiva, en respuesta a la demanda, cobrando un mayor impulso en género del retrato.

 

Cindy Sherman
[Glen Ridge, Nueva Jersey, Estados Unidos, 1954]

Cindy Sherman (Cynthia Morris Sherman), es una fotógrafa y directora de cine estadounidense. Una de las mayores representantes de la fotografía de posguerra, exhibió más de tres décadas de su trabajo en el MoMA de Nueva York.

La formación de esta artista comienza en el Buffalo State College de Nueva York ente 1972 y 1976, donde estudia arte y dedica una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 únicamente realiza autorretratos fotográficos con los que intenta enfocar de una manera diferente el tema de la mujer estereotipada. En estas obras el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta.

El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violencia, el erotismo o la crítica política. Actualmente reside en Nueva York, donde continúa realizando proyectos.

 

Soledad Sevilla
[Valencia, España, 1944]

Soledad Sevilla nace en Valencia en 1944, pero pronto se encuentra viviendo en Barcelona. Es en la Ciudad Condal donde comienza su formación, al estudiar de 1960 a 1965 en la sección de Pintura de la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge en Barcelona.

A finales de la década de los sesenta participa en el Seminario de generación automática de formas plásticas en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, momento a partir del cual inicia su trayectoria artística dentro del ámbito de la abstracción geométrica.

Su primera exposición individual data de 1969, y fue realizada en la Galería Trilce de Barcelona. En 1979 recibe la Beca Fundación Juan March para España, y en 1981 una beca para realizar diferentes estudios en la Universidad de Harvard. Como resultado de estas experiencias termina incorporando en su obra la instalación como un recurso expresivo más. Entre todos los galardones que ha recibido destacan en 1993 el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1997 el Premio Alfons Roig de la Comunidad Valenciana, y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del año 2007. En la actualidad Soledad Sevilla reside en Granada.

 

Antonina Sofronova
[Droskovo, Rusia, 1892 – Moscú, Rusia, 1966]

La artista rusa Antonina Sofronova nace en la localidad de Droskovo en 1892. De 1910 a 1917 estudia en Moscú, en la escuela de arte de F. I. Rerberg y en el estudio de I. I. Mashkov. Durante ese periodo, en 1914, participa en la exposición titulada ‘The Jack of Diamonds’. Entre 1920 y 1921 se la encuentra en el State Art Shops en Tver y, en la misma época, empieza a sentirse atraída por el Constructivismo. Antonina Sofronova está presente del grupo denominado The Thirteen’, en el que participa en sus exposiciones y, después de su disolución en 1932, continúa con el mismo estilo de pintura.

De 1919–1920 Sofronova enseña dibujo en las escuelas de Orel y la provincia de Orel. En Droskovo, crea una serie de bocetos al carbón sobre motivos del país. En 1920-1921 enseña pintura y dibujo en los Estudios de Arte Estatales Libres de Tver, donde conoce al historiador de arte N. M. Tarabukin. En 1920-1922 dibuja composiciones gráficas abstractas constructivistas.

Las exposiciones individuales de Sofronova se celebraron en 1968 en el museo-apartamento de AN Skryabin en Moscú (exposición de acuarelas), en 1975 en la Casa Central del Artista en Moscú, en 1976 en el museo-apartamento de FM Dostoievski en Leningrado (exposición de ilustraciones para las obras literarias), en 1989 en la sala de exposiciones del Fondo de Cultura Soviética en Moscú, en 1993 en la Galería Estatal Tretyakov en Moscú y en el Museo de Bellas Artes de Orel, en 1994 en Tver, en 1995 en el Apartamento conmemorativo de A. Bely en Moscú, en 1999 en la galería Kovcheg (‘Arca’) en Moscú.

 

Susana Solano
[ Barcelona, España, 1946 ]

Escultora formada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, de la que luego sería profesora. Su etapa inicial es pictórica decidiéndose finalmente por la escultura cuyo reconocimiento se fragua en tres exposiciones: la célebre colectiva ‘En tres dimensiones’ (1984), y en las individuales de la Fundación Miró (1980) y de la galería madrileña ‘Fernando Vijande’ (1986).

Participó en certámenes internacionales como Documenta de Kassel VIII y IX (1987 y 1992), XIX Bienal de Sao Paolo (1987), Skulptur Projekte en Münster (1987), Bienal de Venecia (1988 y 1993, en la de 1988 compartió con Oteiza el pabellón español) y Carnegie Internacional de Pittsburg (1988).

Fue galardonada con el Special Prize, otorgado por The Utsukushi-Ga-Hara Open Air Museum, en Tokio (1985), con el Premio Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España (1988), recibió el Premio CEOE a las Artes (1996), el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda, en Madrid (2011), Premio GAC por su trayectoria artística, en Barcelona (2015) y Mestres. La Cadena del FAD, Barcelona (2018).

Ha colaborado en diferentes ocasiones con los arquitectos: José Acebillo, Ignacio Linazasoro, Hans Hollein, I. Sánchez Doménech, Rafael Moneo, Francisco Torres, Javier Romero y Guillermo Vázquez Consuegra. Su trabajo escultórico de vanguardia comienza primero utilizando madera al modo ‘brancusiano’ y luego lo desarrolla definitivamente en planchas de hierro con tratamiento industrial para descubrir el mármol en su última etapa con motivo de las urnas armario y piezas-urna.

 

Dorothea Tanning
[Galesburg, Ohio, Estados Unidos, 1910 – Manhattan, Nueva York, 2012]

Dorothea Tanning, pintora, ilustradora, escultora y escritora, nace en la localidad estadounidense de Galesburg en 1910. De formación autodidacta, asiste dos semanas a la Chicago Academy of Art, encontrando sus primeras obras dentro del más puro estilo academicista. La exposición que tuvo lugar en el MoMA de Nueva York en 1937, llamada Fantastic Art, Dada, Surrealism’, le fascina y empieza a acercarse al surrealismo.

En 1942 conoció al pintor alemán Max Ernst con quien se casó en 1946 en una doble boda junto con el fotógrafo Man Ray y Juliette BrownerTanning sería la cuarta esposa del artista alemán. Ernst la introdujo en el grupo de los surrealistas. Su obra más conocida, ‘Pequeña serenata nocturna’, muestra sus vínculos con el grupo, que durarán durante los años 40 y 50. En 1949 se instala en Francia y a partir de los sesenta, centra su actividad en extraños objetos surrealistas realizados con materiales textiles. Entre sus trabajos también se pueden encontrar decorados y trajes para ballet y teatro.

Más tarde su estilo artístico pasó a ser impresionista. En los años 70 realizó una serie de esculturas blandas con máquinas de coser​. Con la suma de varias de ellas creó la instalación ‘Hôtel du Pavot, Chambre 202’ (1970-73). ​ Actualmente vive y trabaja en Nueva York. También escribe poesía.

 

Sophia Vari
[Vari, Grecia, 1940]

De madre húngara y padre griego, pasa su infancia en Suiza antes de cursar sus estudios en Londres en 1956. Su espíritu cosmopolita le lleva a viajar constantemente para formarse. Primero se interesa por los maestros clásicos, se inspira de la obra de Rubens hasta los años setenta. En 1978-1979 traslada su estudio a la rue de l’Arrivée en Montparnasse, París. Comienza a esculpir utilizando como materiales el bronce y el mármol. Poco a poco su sentido de la perfección le lleva a la búsqueda de formas que se escapan de la figuración.

En estos años expuso la serie ‘Divine Comedy’ en una exposición organizada por su comerciante Alexandre Iolas en la Galerie Desmos, Atenas. La Galería Nacional de la Pinacoteca de Atenas adquiere su tríptico ‘Adam et Eve chasés du Paradis par angegardien’. Exposición individual en la Fundaçao Calouste Gulbenkian, Lisboa. Conoce a Fernando Botero, con quien más tarde se casa, viviendo con él entre Francia, Italia, Colombia y Estados Unidos.

Imagina volúmenes con curvas sensuales a partir de 1993, e introduce los colores en sus trabajos para que emerja la luz. Actualmente divide su tiempo entre Nueva York, París, Medellín y Pietrasanta.

 

Remedios Varo
[Girona, España, 1908 – Ciudad de México, México, 1963]

Remedios Varo es una pintora española que llega al surrealismo de la mano de Paul Eluard y André Breton e introduce este estilo en México. Nació en Girona en 1908, en 1917 se traslada a Madrid donde ingresa en la Academia de San Fernando en 1924. Allí permanece seis años, coincidiendo con Maruja Mallo y Dalí. En 1932 se instala en Barcelona donde entra en contacto con la vanguardia catalana (ADLAN).

De esta época son: Lecciones de costura’ y La pierna liberadora de las amebas gigantes’. Tras su matrimonio con el poeta francés Benjamin Péret, se traslada a París en 1937 donde entabla amistad con los teóricos del surrealismo, estilo que introduciría en México tras su llegada en 1940. En 1938 expone en la Exposición Internacional del Surrealismo con la obra Il est tard’.

En 1940 se exilia a Méjico en compañía de Péret. Allí se dedica al diseño publicitario, restauración de objetos prehispánicos e incluso diseño de vestuario, disminuyendo en consecuencia su producción pictórica. En 1947 se separa de Péret y marcha a Venezuela donde permanece hasta 1949. En 1953 regresa a México, reencontrándose de nuevo con la pintura y hallando por fin un estilo personal, que le dará fama mundial hasta su muerte en 1963. En estos diez años alcanza la madurez pictórica y conoce el éxito de crítica y público. Entre las obras de este periodo destacan: Las hojas muertas’ (1956), Au bonheur des Dames’ (1956), La Ascensión al Monte Análogo’ y ‘Naturaleza muerta resucitando’ (1963).

Dentro del estilo surrealista que domina, su propio estilo es espiritual, lleno de simbolismo, donde las figuras ascienden a través de lo etéreo con un cierto aire mágico y de misterio, creando una atmósfera densa. Sus cuadros son cuidados y, en muchos casos, llenos de recuerdos de su infancia. El gusto por los temas esotéricos y la alquimia nos transporta a la pintura del Bosco con la que tiene ciertos puntos en común.

 

Alicia Vela
[Villaluenga, Zaragoza, España, 1950 ]

Pintora y grabadora, Alicia Vela nace en la localidad aragonesa de Villaluenga en 1950. Estudia Bellas Artes y, tras licenciarse, consigue una beca de Promoción de Artes Plásticas por la Generalitat de Cataluña. Posteriormente obtiene un puesto de profesora de grabado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, labor que compagina con su carrera de artista. Realiza cursos de grabado en Urbino y practica la litografía en el taller ‘6 A’ de Palma de Mallorca.

Durante los setenta se vuelca en un informalismo y el uso de lo gráfico de 1979 a 1981 con trazos que evocan a una letra. Tras una figuración con el ser humano como protagonista que esquematiza a partir de 1986, viene una abstracción desde 1988 con lo mecánico, lo orgánico, que determina el énfasis en formas embrionarias, círculos con muy dispar función simbólica, agresivos dientes de sierra y otras formas que, en ocasiones, enlazan con un aroma surrealista viendo los cuadros en su totalidad. Artista de muy compleja clasificación y con notable entidad.

En 1982 celebra su primera exposición individual en las galería Amagatolis de Barcelona y poco después expone también en Zaragoza. Trabaja en el grabado en los talleres de Magí Baleta y Antonia Vila de Barcelona. Actualmente reside en esta ciudad.

 

Maria Helena Vieira da Silva
[LIisboa, Portugal, 1908 – París, Francia, 1992]

Maria Helena nace en Lisboa en 1908. Con apenas tres años queda huérfana de padre, instalándose con su madre en el hogar de su abuelo materno. Comienza sus estudios en la capital lusa recibiendo enseñanzas en música, diseño y pintura, hasta que en 1924 estudia escultura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa. En 1928 viaja a París, donde frecuenta la Academia La Grande Chaumiére, y toma contacto con los escultores Bourdelle y Despiau, y con los pintores Dufresne, Léger y Friesz.

Contrae matrimonio con el también pintor Arpad Szénes años antes de su primera exposición individual en París, en 1933. En 1940, motivada por diversas regulaciones, pierde la nacionalidad portuguesa, siendo considerada décadas más tarde, en 1956, ciudadana francesa. Pasa de 1940 a 1947 en Rio de Janeiro con su marido, debido a los horrores de la Segunda Guerra Mundial. En Brasil va a participar en dos exposiciones, además de ejecutar un mural para la antigua Universidad Rural, en un suburbio de Campo Grande. Regresa a París, donde permanecerá casi toda su vida, haciendo un viaje a su país natal después de la Revolución de 1974, con una calurosa bienvenida.

Fue reconocida en vida, recibiendo, entre otras conmemoraciones, el grado de Chevalier de L’Ordre des Arts et des Lettres del estado francés, en 1960; y la Legión de Honor en 1991, un año antes de su muerte en París, a los ochenta y cuatro años de edad.

 

 

 

Fuente:
Sala Municipal de Exposiciones del Museo de la Pasión
, Valladolid (España)
Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid

 

Páginas de origen de las imágenes:
Imagen principal: Remedios Varo: weheartit.com
Isabel Quintanilla: poramoralarte.com
Paula Rego: Widewalls
Olga Sacharoff: purakastiga.blogspot.com
Cindy Sherman: cadadiaunfotografo.com
Soledad Sevilla: WikiArt.org
Susana Solano: fundacionnmac.org
Dorothea Tanning: theartstory.org
Sophia Vari: Wikipedia
Maria Helena Vieira da Silva: aviagemdosargonautas.net

VER:
> Mujeres artistas del siglo XX – I – Creadoras artísticas 
> Mujeres artistas del siglo XX – II – Creadoras artísticas
> La pintora Remedios Varo y el surrealismo
> En el siglo XXI las mujeres han encontrado por fin su lugar como artistas reconocidas 
> Ouka Leele (Bárbara Allende Gil de Biedma) – Analisis a la obra de la artista por Carlos Serrano G.A.H.
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