Mujeres artistas del siglo XX – I

 

[Cultura / Mujeres Hoy

 

Magdalena Abakanowicz, Ana Laura Aláez, Amalia Avia, María Blanchard, Norah Borges, Carmen Calvo, Maggie Cardelús, Sonia Delaunay (Terk), Gisèle Freund, Concha García, Cristina García-Rodero, Susy Gómez.

El siglo XX es testigo de los grandes avances del movimiento feminista y de la lucha por los derechos de la mujer, pero todavía en la primera mitad del siglo las mujeres artistas siguen a la sombra de los hombres. Así se conoce a Sonia Terk como esposa de Robert Delaunay o a Georgia O’Keeffe, de Alfred Stieglitz, a Gabrielle Münter, como pareja de Wassily Kandinsky, o a Dora Maar de Pablo Picasso. Las mujeres se acercan a las vanguardias y en muchos casos son ellas las primeras que dan el salto y las que empujan a sus compañeros hacia las novedades como, por ejemplo la abstracción.

La proliferación de creadoras en todas las disciplinas artísticas y en todos los movimientos de vanguardia a lo largo del siglo XX impide que podamos hablar de todas ellas. Recogemos solamente a algunas que desarrollan la mayor parte de su actividad en el siglo XX.

 

Magdalena Abakanowicz
[Falenty, Polonia, 1930 – Varsovia, Polonia, 2017]

Magdalena Abakanowicz fue una escultora y destacada artista de la escuela polaca del tapiz. Nieta de un general zarista descendiente de Gengis Khan, y emparentada con el gran compositor Karol Szymanowski,desde 1949 se formó en las academias de Bellas Artes de Gdansk y Varsovia. Uno de sus primeros mentores fue el pintor constructivista y “unista” Henryk Stazewski, un superviviente de la vanguardia de preguerra, que sólo a partir del relativo deshielo posterior a la muerte de Stalin y a los cambios que esta acarreó en los países satélites de la URSS, pudo volver a expresarse en clave moderna.

En sus composiciones, en las que la artista aunó elementos procedentes de las corrientes estéticas en boga, recurrió a menudo a elementos escultóricos. Su originalidad radica en el traslado de sus conocimientos sobre tapicería a la escultura a partir de unos experimentos realizados en la década de los sesenta. Sus obras, verdaderos ambientes en los que las repeticiones de formas alusivas a la cabeza, tórax o multitudes, son representadas en tonalidades oscuras, confieren una dimensión dramática acentuada por los temas que priman en su obra: lo individual y lo colectivo, el anonimato y el estereotipo, la corrosión y la enfermedad, cuya presencia singular plasmada de manera concreta y sensible imprime en ella cierta elocuencia.

 

Ana Laura Aláez
[Bilbao, España, 1964]

Nacida en Bilbao en 1964, la artista multimedia Ana Laura Aláez es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco.
En 1992 recibe la Beca Banesto de Artes Plásticas y se da a conocer al público a través de la exposición ‘Superficie’, que tuvo lugar en el ‘Espai 13’ de la Fundación Joan Miró de Barcelona, en la que dominaban las obras en tres dimensiones. A partir del año siguiente comienza su colaboración con la galería Juana de Aizpuru de Madrid, ciudad en la que desarrolla su trabajo. En 1996 diseña una tienda de ropa y la presenta como una instalación en la ‘Sala Montcada’ de la Caixa de Barcelona, lo que supone un considerable cambio conceptual. En 1999 es seleccionada para el ‘Apertto de la Biennale di Venezia’, y en su edición de 2001 es incluida en el pabellón español, junto a Javier Pérez, mostrando las obras ‘Liquid Sky’, ‘Rain Room’ y ‘Pink Space’. En 2000 presenta la instalación ‘Dance & Disco’ en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde mezcla disciplinas como la escultura, el dibujo, la arquitectura, el vídeo, la fotografía y la música. Este mismo año presenta ‘Brothel’ en la Bienal de Corea. Es fundadora, junto a Daniel Holc y César Rey, del proyecto de diseño de espacios ‘Geometrical Life’, que ella dirige. En 2004 se encuentra su primer proyecto de carácter no efímero, en el diseño de una tienda en Madrid para el diseñador de joyas Chus BurésAna Laura Aláez es una de las artistas contemporáneas de mayor renombre en España. Se define como una “arquitecta de emociones” ya que transforma toda su vida en arte, plasmando sus sentimientos directamente en la obra.

 

Amalia Avia
[Santa Cruz de la Zarza, Toledo, España, 1930 – Madrid, España, 2011]

Su infancia transcurre en Madrid, para formarse en la Academia de Eduardo Peña entre 1953 y 1955 y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 1954 viaja a París con la promoción de alumnos de la Escuela de Bellas Artes que terminan ese año la carrera, algunos, como Carmen Laffón, Julio Hernández, Lucio Muñoz…, se convertirán en grandes amigos. En la capital francesa también conoce a los pintores Antonio López, Julio López Hernández e Isabel Quintanilla. Fruto de la amistad y de las mismas inquietudes artísticas surge el grupo denominadoEscuela Realista de Madrid’. Durante los años 1956 a 1960 frecuenta también las clases del Círculo de Bellas Artes. Hace su primera exposición individual en la Galería Fernando Fe de Madrid. Las obras de este momento están basadas en la captación del entorno cotidiano, interpretado desde un tono poético y humano. Por encima de otras cualidades es ese entorno en el que se mueven nuestras vidas, con una delectación por las calles desiertas y llenas de misterio para mostrar la belleza de los edificios con sus fachadas envejecidas por el paso del tiempo. Detiene sus ojos en detalles que, a veces, nos pasan desapercibidos y que, sin embargo, están cargados de vida y de realidad cotidiana, como pueden ser tapias, fachadas de comercios, patios, paredes, interiores de casas… Un año más tarde se casará con el pintor Lucio Muñoz.

En 1978 se le concedió el premio Goya de la Villa de Madrid. En 1992 se celebró una gran exposición ‘Otra realidad. Compañeros en Madrid’ sobre el grupo de amigos, tanto realistas como abstractos que surgió en torno a la Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1997 realizó una exposición antológica en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y se le concedió la Medalla del Mérito Artístico del Ayuntamiento de Madrid. En 2004 publicó sus memorias ‘De puertas adentro’

 

María Blanchard 
[Santander, España,1881 – París, Francia, 1932]

María Blanchard nace en Santander en 1881, y comienza su formación siendo una niña, estudiando dibujo y pintura con su padre. María vino al mundo marcada físicamente como consecuencia de la caída que sufrió su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos. Esta deformidad resultante de una cifoscoliosis con doble desviación de columna, condicionará desde su nacimiento su destino y la devoción por su trabajo. La infancia, la tristeza, la soledad, las enfermedades, serán temas constantes en su producción artística. En 1903 se traslada a Madrid, donde se forma con Emilio Sala, Fernando Álvarez de Sotomayor y Manuel Benedito. En 1909 obtiene beca de la Diputación de Santander para estudiar en París donde acude a la academia Vitti, allí recibe clases de Anglada Camarasa y de Kees van Dongen que orientan su trabajo hacia la libertad del color y la expresión. En 1910 se matricula en la academia de María Vassilief, pintora rusa, con la que conoce el nuevo estilo que se estaba fraguando, el cubismo.

En 1913 regresa a Madrid y comienza a compartir con el pintor mejicano Diego Rivera un estudio. Al año siguiente conoce a Jacques Lipchitz y comienza a asistir a la tertulia de Ramón Gómez de la Serna en el Café Pombo. Tras un breve paso por Salamanca vuelve a París, en donde desarrolla una etapa cubista, llegando a tratar con algunos de sus miembros como Juan Gris, André Lhote, o el propio Lipchitz. En 1920 María Blanchard triunfa en el Salón de Independientes con su cuadro Communiante’. Entre 1920 y 1932 retornó a un tipo de pintura figurativa, aunque cubista desde el punto de vista compositivo, en la que el tratamiento lumínico genera texturas algodonosas. Muere en París en 1932. En España se han celebrado dos exposiciones antológicas, como fueron la organizada en 1962 en la galería Biosca de Madrid, y otra en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, en 1982.

 

mujeres-artistas-siglo-XX-1-300Norah Borges [Buenos Aires, Argentina, 1901 – 1998]

Hermana de Jorge Luis Borges, quien le pone el pseudónimo de Norah Borges, Leonor Fanny nace en el barrio bonaerense de Palermo en 1910. Con catorce años inicia su formación en la École des Beaux-Arts de Ginebra con Maurice Sarkisoff, ciudad a la que llegó con su familia en busca de una solución para la ceguera progresiva de su padre, el abogado Jorge Guillermo Borges. También estudia en la localidad de Lugano con Arnaldo Bossi. Debido a la Primera Guerra Mundial se ven obligados a permanecer cuatro años en Europa. Antes de cumplir diecisiete años se encuentra en España, donde amplía sus estudios, primero en Palma de Mallorca con Sven Westman y más adelante en Sevilla y en Madrid con Julio Romero de Torres. En 1921 regresa a su ciudad natal. Como pintora naïf Norah se vincula a la vanguardia literaria formada por el Grupo de Florida. En 1923 la revista surrealista francesa Manomètre’ de Lyon y en 1924Martín Fierro’ publicaron sus pinturas. En 1926 expone sus trabajos en la Asociación Amigos del Arte. En 1928 contrae matrimonio con el escritor y crítico español Guillermo de Torre, con quien tiene dos hijos. En la Segunda Guerra Mundial fue vocal suplente la Junta de la Victoria en la Argentina, asociación feminista antifascista, y posteriormente pasó un mes en la cárcel junto a su madre por haber manifestado gritos contra Juan Domingo Perón. Ejerció la crítica de arte en ‘Anales’ de Buenos Aires bajo el pseudónimo de Manuel Pinedo. Investigó sobre el grabado y no dejó de pintar prácticamente hasta su muerte, aunque regalaba su obra y no cuidó de realizar exposiciones regularmente.

Ilustró obras de su hermano, pero también de otros literatos como Silvina Ocampo, Juan Ramón Jimenez, Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti o León Felipe.

 

Carmen Calvo
[Valencia, España, 1950]

Pintora española nacida en Valencia, Carmen Calvo comienza a estudiar Publicidad para más adelante ingresar en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal, donde se encuentra entre 1965 y 1970, y después en la de Bellas Artes de San Carlos, entre 1969 y 1972. En la década de los setenta se ve atraída por las piezas arqueológicas, y comienza series de obras que incorporan fragmentos, esencialmente cerámicos. Una de estas series sería ‘Escrituras, Paisajes y Retratos’, en la que se utilizan pequeñas piezas de tierra cocida que aparentan ser pinceladas. En los años 80 disfrutó de varias becas y ganó premios importantes: Primer Premio de Pintura Lasalle y Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia. En 1980 también participó en la exposición ‘New images from Spain’ en el Museo Guggenheim de Nueva York y en otras ciudades de Estados Unidos. Además participó dentro de la primera edición de la Feria de arte contemporáneo de Madrid, ARCO, en 1982 con la Galería Fernando Vijande.

De 1983 a 1985 reside en Madrid, en la Casa de Velázquez, y desde 1985 a 1992 se instala en París. A partir de este año traslada su residencia a Valencia, donde vive y trabaja. En 1997 representa a España en la Biennale di Venezia, y el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) y el Museo Reina Sofía le han dedicado exposiciones retrospectivas en 1990 y 2000, respectivamente. A finales de la década de los noventa comienza a introducir fotografías en sus obras, y crea escenografías basándose en instalaciones que reflejan la visión de la artista de la realidad que le rodea. A través de este tipo de técnicas y representaciones, Carmen Calvo ha conseguido crear a lo largo de su carrera un universo creativo propio muy singular, que hace que el espectador sea capaz de reconocer sus obras al contemplarlas.

 

Maggie Cardelús
[Virginia, EE UU, 1962]

Maggie Cardelús, artista de nacionalidad estadounidense y española, se forma en el Wellesley College, donde se licencia en 1985 en Bellas Artes e Historia del Arte. Obtiene el Primer Premio para la Tesis de Dibujo y Grabado y la Medalla de Plata de la London Royal Academy of Arts. Continúa su formación al licenciarse en Arquitectura en 1988 por la Universidad de Columbia, Nueva York, donde recibe el Premio de Arquitectura Lucille Smyser Lowenfish. Entre las becas y premios que recibe en la década de los noventa destacan la Beca Harriet Shaw, en 1990, la Becas Mobilier Nationale et Manufactures des Gobelins de París y la Via Farini de Milán en 1994 y 1997, respectivamente. En su obra vemos la influencia del arte conceptual. Su estilo recoge la visión que la artista tiene del mundo que le rodea para hacerlo suyo. Trata de agrupar lo efímero con la fuerza de la memoria.

La obra artística de Maggie Cardelús recurre principalmente a la fotografía, pero también realiza trabajos en otros itinerarios estéticos como en la escultura, en el vídeo y en la performance, para así reflexionar sobre una de sus grandes preocupaciones: la vida familiar y aquello cotidiano como vía de creación artística. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Via Farini de Milán en 1993. A partir de este momento no deja de producir ni de exponer. En 2007, empieza a introducirse en el videoarte, con lo cual pretende trabajar sobre el efecto que causan estas obras en el público. La primera pieza fue ‘Looking for Time’ (2007). Lo que le interesa de los vídeos es que puede darles movilidad a sus fotografías, haciendo que éstos sean secuencias de imágenes recogidas durante largos períodos de tiempo, como por ejemplo en el vídeo ‘Birthday flowers at 50 and 13’ (2012), donde hace girar su cámara alrededor de un jarrón de flores, desplazándose un grado por fotografía y consiguiendo así lograr su otro interés: de una fotografía plana, darle espacio y volumen. Actualmente reside y trabaja entre París y Milán.

 

Sonia Delaunay (Sonia Terk)
[Garodisce, Ucrania, 1885 – París, Francia, 1979]

Sonia Terk nace en 1885 en la localidad ucraniana de Gorodisce y a los cinco años es adoptada por su tío materno Henri Terk. Pasa su infancia en San Petersburgo y tras haber estudiado dibujo en Karlsruhe con Schmidt-Reutter se marcha a París en 1905, donde se matricula en la Académie de la Palette. Aquí estudia con Ozenfant y Dunoyer de Segonzac. A partir de 1907 vemos en sus pinturas la influencia del expresionismo alemán y de Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, como por ejemplo ‘Philomène, Jeune finlandaise’ o ‘Desnudo amarillo’. Esta etapa duró aproximadamente una año y pronto se decantó por el estilo fauve. En 1908 realizó una exposición de sus pinturas de estilo fauvista en la galería de Wilhelm Uhde,​ donde conoció Robert Delaunay. Para evitar las presiones familiares que la exigían volver a Rusia, en 1909 pactó un matrimonio de conveniencia con Wilhelm Uhde. Quien la introdujo en los círculos artísticos de Braque, Picasso, Derain y Vlaminck. Robert Delaunay también frecuentaba estos círculos artísticos, y pronto se dieron cuenta de que compartían las mismas preocupaciones artísticas. La relación entre los dos artistas se fue consolidando y, en 1910 Sonia se divorció de Uhde y se casó con Robert Delaunay, de quien toma el apellido, y juntos colaboran en el desarrollo del Orfismo. Inspirada en las formas del cubismo y en los colores de Paul Gauguin, Vincent van Gogh, posee un estilo basado en la yuxtaposición de colores puros rotos en prismas.

En la década de los años veinte se dedica al diseño de ropa y de telas pintadas a mano con colores brillantes, algo que revoluciona el diseño textil. Trabaja como diseñadora de decorados y vestuario para los Ballets Russes’ de Sergei Diaghilev. Tras una temporada en Madrid, el matrimonio se establece en París donde se integran en los ambientes surrealistas. En 1930 se centra más en la pintura e ingresa como miembro en la asociación Abstraction-Creation. A partir de los años cuarenta su estilo se vuelve más delicado y sencillo, sobre todo en los gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento. Tras la muerte de su marido en 1941 continúa trabajando activamente como pintora y diseñadora. En 1964, el Musée National d’Art Moderne de París recibe una donación de cincuenta y ocho obras suyas y cuarenta y nueve de Robert, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convierte en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo. Sonia Delaunay muere en la capital francesa en 1979.

 

Gisèle Freund
[Berlín, Alemania, 1908 ó 1912 – París, Francia, 2000]

Gisèle Freund, hija de una familia de la alta burguesía judía alemana estudia sociología en el Instituto de Investigación Social de Frankfurt, con Adorno y Manheim, y allí frecuenta grupos de estudiantes de izquierdas y se implica políticamente contra el nacionalismo, hecho que la obliga a huir de Alemania y refugiarse en París. En 1931 estudia Historia del Arte en la University of Freiburg im Breisgau. Su obra fotográfica comenzó con el fotoperiodismo que hacía de acuerdo con sus ideas políticas, entre los primeros se encuentra un reportaje de 1932 sobre las manifestaciones en la calle antes de que Hitler estuviese en el gobierno, u otro para Life realizado en 1936 sobre los efectos de la depresión en Inglaterra; pero también destacaron sus retratos de personas famosas como Virginia Woolf, James Joyce, Colette, André Malraux, Henri Michaux, Michel Leiris, Marguerite Yourcenar, Jean Cocteau, Sartre, Frida Kahlo, Simone de Beauvoir y Samuel Beckett entre otros. Empleaba el color para sus fotos que en la mayoría de los casos las hacía sobre carretes de Agfacolor.

En 1936 presentó su tesis doctoral en la Sorbona, titulada La Photographie en France au XIXème siècle’. Al año siguiente se casó con Pierre Blum, del que se separó posteriormente, divorciándose oficialmente en 1948. Con la ocupación progresiva de Francia por parte de las tropas nazis, en 1942 Freund se exilia a Buenos Aires. Al acabar la guerra, se instala definitivamente en la capital francesa, donde continúa ejerciendo como fotógrafa independiente y consigue el reconocimiento internacional.
Recibió diversos premios a lo largo de su carrera, en 1978 le otorgaron Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía y en 1980 el Gran Premio de la Artes del Ministerio de Cultura francés. Murió de un ataque al corazón a los noventa y un años de edad en París en el año 2000. Ver: Gisèle Freund – El mundo y su cámara.  

 

Concha García
[Santander, España, 1960]

Nacida en Santander en 1960, Concha García es doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y miembro del IAC Instituto de Arte Contemporáneo. Su labor docente la realizó, en la Universidad del País Vasco y en la Escuela Superior de Diseño de Madrid.​ Es socia de MAV Mujeres en las Artes Visuales. En 1977 se trasladó a Madrid, donde se licenció en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Madrid, en las especialidades de Pintura y Grabado. En 1983 recibió la Beca para la Academia Española de Bellas Artes en Roma. A comienzos de la década de los ochenta empezó a destacar como artista, y expuso en varias muestras individuales y colectivas, como fue su primera exposición individual en 1983 bajo el título de ‘Pintura y grabado’, que tuvo lugar en la ‘Sala Pancho Cossío’ del Ministerio de Cultura en Santander. Habría que resaltar su labor como docente durante las décadas de los ochenta y los noventa destacando como profesora de Grabado, primero en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, y más adelante en la Escuela de Artes Aplicadas nº 10 de Madrid.

La artista utiliza la escultura y las herramientas audiovisuales, apoyada por la literatura, como medio de expresión. Realiza sus obras en pequeña escala, obras situadas en el ámbito doméstico, donde las personas construyen su vida día a día. Su trabajo está  involucrado con la renovación del lenguaje escultórico, y se muestra cercano a la experiencia del sujeto en su relación con los materiales o bien de extrema fragilidad o bien tan próximos como cotidianos y domésticos.

 

Cristina García-Rodero
[Puertollano, Ciudad Real, España, 1949]

Cristina García Rodero está considerada como uno de los fotógrafos de mayor relieve y trascendencia creativa de España. Su sensibilidad y curiosidad hacia los mundos que explora, junto con un continuado y elaborado trabajo fotográfico llevado a cabo a lo largo de los años, hacen que sus fotografías irradien una fuerza sobrecogedora sin caer en el exhibicionismo ni en el artificio. Fruto de ello es su libro titulado ‘España oculta’, publicado en 1989 y ganador, entre otros, del Premio al Libro del Año en el Festival de Fotografía de Arlés, ganando ese mismo año el prestigioso Premio de la Fundación Eugene Smith de Nueva York. La trayectoria de Cristina García Rodero está plagada de premios, como el Premio Planeta de Fotografía por el conjunto de su obra, de 1983, el Premio al Mejor Fotógrafo del Año, concedido en 1988 por la revista Foto Profesional de Madrid, el primer Premio World Press Photo en la categoría de arte, en 1993, el Premio Nacional de la Fotografía del Ministerio de Cultura en Madrid, y el Premio Forum Iberoamericano de Fotografía de la Habana, ambos en 1996, el Premio FotoGranPrix de Barcelona, de 1997, el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria profesional española en fotografía de Madrid, en PhotoEspaña 2000, o el Premio Godó de Fotoperiodismo 2000 otorgado por la Fundación Conde de Barcelona, entre otros.

Ha realizado numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas en diferentes países. Su primera exposición individual la realizó en México con el título de ‘Fiestas Tradicionales en España’. Su exposición titulada ‘España oculta’ ha recorrido múltiples espacios: Museo de Arte Contemporáneo en Madrid, Encuentros fotográficos de Arles, Carcasona y Braga, Fotofest’90 en Houston, Photographers’ Gallery en Londres, Diaframma en Milán, Photokina de Colonia, Zentrum fur Audiovisuelle Medien en Sttutgart, Münchner Stadtmuseum en Múnich, Museo Álvarez Bravo de Oaxaca, Museo de Bellas Artes de Caracas, Médiathèque Centre Jean Renoir en Dieppe …

 

Susy Gómez
[Pollença, Malloca, España, 1965]

La artista mallorquina Susy Gómez se forma en Barcelona, donde realiza y finaliza los estudios de Bellas Artes. Cuando termina sus estudios, en 1987, realiza su primera exposición individual, que tendrá lugar en la galería Norai de Pollença, su localidad natal. En 1993 lleva su obra al ‘Espai 13’ de la Fundació Miró de Barcelona y sus trabajos reflejan una potencia visual y emocional que más tarde se afianza a finales de 1994 en su exposición con Luis Adelantado en Valencia. Su obra alcanza una gran popularidad en los comienzos de la década de los noventa, estando presente a partir de ese momento en prestigiosas ferias y muestras colectivas tanto a nivel nacional como internacional. Utiliza medios muy diversos, como son la fotografía, pintura, dibujo, escultura o instalación. Pero, quizás, fue a partir de Arco 95 cuando su obra causa una mayor expectación. A finales de ésta década recibe la Beca Endesa, en el año 1999, y al año siguiente se realiza la primera retrospectiva de la artista. Esta exposición se denomiminaba ‘Algunas Cosas Que Llamaba Mías’, y tuvo lugar en el ‘Centre del Carmen’ del IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) de Valencia, y la siguió otra muestra individual titulada ‘No sé cuantas veces’, ésta en Pollença, en 2001.

 

 

 

Fuente:
Sala Municipal de Exposiciones del Museo de la Pasión
, Valladolid (España)
  

 

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Páginas de origen de las imágenes:
vozdesdeeldestierro.juancarlosherreraacosta.over-blog.es 

stylehigclub.wordpress.com
Culture.pl
Descubrir el Arte
Mujerícolas – blogger 
fotografiacuadratica.blogspot.com

 

 

 

 

3 – 06-09-2017
Rev. 06-09-2017

1 – 06-03-2009